Por Jaime Cortés Polanía

 

Cuando Arnold Schoenberg (1874-1951) concibió Pierrot Lunaire en 1912, empleó un formato instrumental lo suficientemente equilibrado, versátil y práctico como para no pasar demasiados problemas en la rutina de los ensayos y en la presentación definitiva de la obra. En su primera versión dicho formato estaba integrado por voz, flauta, clarinete, violín, violonchelo y piano. A la postre, generalmente prescindiendo de la voz, en más ocasiones añadiendo percusión y duplicando los vientos y/o las cuerdas, se convirtió en un estándar conocido como ensemble o conjunto pierrot, la configuración con que La Sociedad hilvana el concierto de hoy.

 

 

Tiempo de contradanza de Jorge López Marín (n. 1949)

Pocos pondrán en duda la excepcionalidad cubana, una condición abrigadora de la insularidad cosmopolita y de la disposición a resolver desde la creación artística toda suerte de cruce de caminos. En una época cada vez más ajena a los nacionalismos pintorescos, pero atenta a los legados del pasado y a la realidad del presente, Jorge López Marín asumió tal cruce de caminos desde sus experiencias formativas, primero en el Conservatorio Alejandro García Caturla, en el Conservatorio Amadeo Roldán y en la Escuela Nacional de Música, y -luego- en el Conservatorio de Kiev en la por entonces Unión Soviética.

 

Como se pone de manifiesto en Tiempo de contradanza, el compositor suele sacar de su caja de herramientas tanto recursos académicos como componentes constitutivos de la música tradicional y popular. López Marín ha sabido adaptar esta obra a las más diversas conformaciones instrumentales. Sea cual sea el medio sonoro, las maniobras básicas y efectivas siempre adquieren nítido protagonismo: un tejido sucesivo de síncopas cubanas (habanera, danzón, son, entre otros), una progresiva densificación sonora y melódica, y una estructura sencilla arraigada en el repertorio popular caribeño (tres partes con un montuno que, como sección media, contiene gestos de improvisación). Juguetona y controlada en cada detalle, Tiempo de contradanza también se ha incluido como último movimiento de la Suite Ceci Mar, obra cuyos otros tres movimientos con títulos alusivos a la hibridez o fusiones musicales (Slow, Al son rock y Swing vals) que rememoran el gran complejo de intercambios cubanos.

 

 

Chantá Phawaripun de Luis Miguel Delgado (n. 1990)

En un mundo cada vez más interconectado, la realidad del compositor actual no solo es móvil, sino también saturada de información. La vitalidad creativa se sumerge así en experiencias atiborradas de movilidad e información, con la necesaria traducción de unos lenguajes a otros. Aunque la idea de la “traducción” en las artes no es nueva, siempre ha sido fructífera para conectar un arte tan inasible, como la música, con el mundo. A ese tipo de “traducciones” recurre Luis Miguel Delgado. Su sintética descripción de Chantá Phawaripun es elocuente:

 

Chantá Phawaripun, que en algunas fuentes de información lo traducen del quechua al español como "de repente sale volando" o "el ave vuela de repente", explora la riqueza de la acción del vuelo y cómo este movimiento me sugiere un discurso musical. Esta composición nace de la búsqueda de una conexión entre la alegoría del vuelo, ya sea en la naturaleza o en el mundo de los sueños, y el ejercicio de traducción como acción creativa.

 

La estructura de la obra se basa en un motivo que se adorna con aleteos que cortan el aire, su interacción con el viento, y la constante sensación de ingravidez, solapando un pedal constante que alegoriza sombras que se difuminan y se resaltan en la medida que el vuelo asciende o pone pie en tierra.

 

Chantá Phawaripun fue compuesta a lo largo de los años 2019 y 2020 especialmente para ser interpretada por el ensamble La Sociedad. Su creación fue posible gracias al apoyo del Círculo Colombiano de Música Contemporánea (CCMC).

 

En la actualidad Luis Miguel Delgado realiza estudios de doctorales en composición y teoría musical en la Universidad de Pittsburgh. Su portafolio artístico está disponible en https://www.delgadogrande.com/

 

 

Telephone Book de Michael Torke (n. 1961)

En ocasiones etiquetada como posminimalista, Telephone Book (Directorio telefónico) ha entrado en el repertorio más interpretado para ensemble pierrot. No solo se debe al éxito y la fama de Michael Torke, sino al llamativo conjunto de rasgos de una obra que le debe su fisonomía a algunos principios neoclásicos, entre ellos, patrones cíclicos a lo Stravinsky, transformaciones motívicas a lo Brahms, lenguaje armónico del jazz y riffs del rock y del pop.

 

En 1985, Torke compuso la primera sección, Yellow Pages, una directa asociación al viejo directorio telefónico de páginas amarillas con los datos de los establecimientos comerciales. En 1995 tuvo la oportunidad de extender su ejercicio a White Pages y Blue Pages, los restantes directorios telefónicos de, respectivamente, personas y agencias gubernamentales. Los títulos no se restringen a un plano poético, sino que abarcan una doble alusión al procedimiento de composición y a la relación entre colores y sonidos.

 

Por un lado, Torke compuso inspirado en la lógica de organización de los antiguos directorios telefónicos: ligeros cambios incesantes línea tras línea, página tras página. Ya sea por adiciones, sustracciones o transformaciones, el compositor introduce leves mutaciones de manera continua, entre ellas, alteraciones en las armaduras. El teórico y analítico Brent Yorgason prefiere asociarlo a la “escala de palabras”, un juego inventado por Lewis Carroll (autor de Alicia en el país de las maravillas) en el que el reto consiste en encontrar la manera de transformar una palabra de inicio en otra final con un paso a paso mediante la adición, sustracción o cambio de una sola letra, o mediante la alteración del orden de las letras. Esta imagen tal vez es más convincente para caracterizar las ideas del compositor.

 

Por otro lado, con su curiosa capacidad de sinestesia, Torke asocia colores con sonidos musicales: amarillo con sol, blanco con la y azul con re. De allí que a Yellow Pages le asigne la tonalidad de sol mayor, a White Pages la tonalidad de la menor y a Blue Pages re mayor. Aunque la complejidad de todo este raciocinio parezca interesarles solo a los músicos, cualquier lego podrá llegar a percibir esos sutiles cambios simultáneos en varios planos y a deleitarse con una obra de vigor inconfundible.

 

El portafolio artístico de Michael Torke está disponible en https://www.michaeltorke.com/

 

 

Silbatos, flautas y ocarinas de Moisès Bertran (n. 1967)

El origen de esta obra se sitúa en un evento coloreado de casualidad: una visita al Museo del Oro que Moisès Bertran realizó como acompañante de su amiga Juliet Wiersema, historiadora del arte especialista en temas prehispánicos. A instancias de los funcionarios del museo, Wiersema obtuvo un video con grabaciones de algunos objetos sonoros incluidos en las colecciones. Sorprendido con el contenido del video, Bertran aprovechó la oportunidad para obtener otra copia que le serviría de inspiración en la composición de Silbatos, flautas y ocarinas.

 

Como lo explicita el título, la obra es una elaboración muy personal del imaginario contemporáneo sobre el mundo sonoro ancestral indígena. Cada una de las cinco secciones puede sugerir diversos estados de contemplación con un orden que obedece a una estructura clara: la forma de arco (Bogenform) que tantas veces usó Béla Bartók. De acuerdo a esta forma, los movimientos externos apareados (es decir, el primero y el quinto; el segundo y el cuarto) están estrechamente relacionados, mientras el movimiento central (el tercero) es independiente.

 

A manera de ensoñación distante, un motivo melódico que evoca los intervalos escuchados en flautas múltiples sirve de unificador en los movimientos primero y quinto. Por su parte, el segundo movimiento se basa en la reiteración de una célula rítmica presentada sucesivamente con cambios de dinámica que generan resonancias. La misma célula se amplía y se complementa melódicamente en el cuarto movimiento. El tercer movimiento proyecta un mundo independiente a partir de un denso lirismo cromático de carácter lacerante y retorcido en el que confluye la mayor acumulación de tensión. Como síntesis final, en contrapunto el quinto movimiento retoma elementos del primer y segundo movimiento.

 

Silbatos, flautas y ocarinas fue el resultado de un proyecto de creación apoyado por la Universidad Nacional de Colombia en 2018. Este mismo año el ensamble La Sociedad la estrenó en la Sala Beethoven del Instituto Departamental de Bellas Artes en Cali durante el Festival Internacional de Música de Cámara.

 

El portafolio artístico de Moisès Bertran está disponible en https://moisesbertran.com/

 

 

mil cuatros blancos en línea recta, James Díaz (n. 1990)

¿Para qué detenerse a mirar mil cuartos blancos en línea recta si más bien puede cerrar los ojos para escucharlos?

 

Las perspectivas de la escucha, algo tan real pero también tan inexplicable, se dilatan en las metáforas que James Díaz propone con el propósito de sumergirse y comprender sus composiciones. El acumulado de compromisos amarrados a las experiencias subjetivas despliega múltiples posibilidades, tantas como oyentes y circunstancias de escucha puede haber. De allí, quizás, las alusiones de Díaz a la psicodelia, primero entendida como “escape de la realidad”, luego como “extensión de la realidad” y finalmente como “la realidad misma”.

 

En una veta, esa realidad es subterránea en mil cuatros blancos en línea recta, la pieza que hoy estrena La Sociedad. Aunque parezca lejano, el pretexto musical es el pasillo, pero no en sus rasgos característicos, sino como imaginario sonoro que puede ser concebido y escuchado desde varias perspectivas. La explosión de posibilidades no se desprende de la indeterminación, una de las opciones más usuales para Díaz, sino de una direccionalidad. Esta direccionalidad se construye a partir de sucesivas reiteraciones y cambios muy sutiles, así como del uso de muchas técnicas extendidas de interpretación con el fin de crear una amplia colección de efectos envolventes. La amalgama sonora es generosa y multiforme, una especie de caleidoscopio único que suscitará en los oyentes sus propias imágenes sobre “mil cuadros blancos en línea recta”. El portafolio artístico de James Díaz está disponible en https://es.jamesdiaz.co/

 

mil cuartos blancos en línea recta fue posible gracias a la invitación que Sonidos & Sentidos le hizo a Díaz para escribirla y a la financiación que para ello brindó la Fundación Bolívar Davivienda. Como última obra del programa marca además el cierre de la primera temporada de Sonidos & Sentidos, serie que incluyó otros estrenos de obras de compositores colombianos como Ludsen Martinus, Juan David Osorio, Carolina Noguera y Edwin Guevara. Un buen augurio de cosas por venir en este nuevo espacio para la música de cámara.