Por Jaime Cortés Polanía

 

Aunque anudado por el cuarteto de cuerdas como formato instrumental, el concierto de hoy nos conduce por un sendero atiborrado de divergencias estilísticas: del lirismo ruso con Serguéi Rachmáninov a las exploraciones sonoras contemporáneas de Carolina Noguera, del ya no tan “nuevo tango” de Astor Piazzolla, al vetusto, pero en su momento, innovador nacionalismo argentino de Alberto Ginastera. Entre muchas otras cosas, la experiencia auditiva permanece asociada al uso convencional de los instrumentos o a la exploración de técnicas extendidas en los mismos. Así, a más de dos siglos de su “invención”, el cuarteto de cuerdas sigue siendo la base de obras que, como escribiese Johann Wolfgang von Goethe (1749-1832) en 1829, traslucen una especie de “conversación estimulante entre cuatro personas inteligentes”.

 

Serguéi Rachmáninov (1873-1943)

La primera de tales conversaciones se desenvuelve en el Cuarteto No. 1 de Rachmáninov. Aunque es una obra de juventud, incompleta (no existe su primer movimiento) y en muchos sentidos deudora de su maestro y mentor, Piotr Ilich Tchaikovsky (1840-1893), el cuarteto auguró su promisoria carrera en la composición. Mientras el Romance está colmado de lirismo y sentimiento, el Scherzo reafirma un entramado rítmico enriquecido con pizzicatos y trémolos. De manera modesta pero firme, demuestra los visos de una incontenible vena melódica, condenada luego por los más vanguardistas en tanto expresión de facilismo anacrónico o apreciada por el gran público por su carácter memorable y engañosa simplicidad.

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Rachmáninov no solo fue moderno sin ser modernista. La recepción de su obra añade toques polémicos a una figura que comprometió sus amores con una Rusia irreductible a los esencialismos nacionalistas. Tiempo después de haberse consumado la Revolución de 1917, escribió: “Las inmensas dimensiones de [Rusia] la convierten, de manera muy natural, en un conjunto de pueblos diversos, muchos de ellos total y absolutamente diferentes de la gente de otras partes el país”. Esa era la nación “eterna” del compositor, una nación múltiple y muy por encima de cualquier régimen, desde el zarista y soviético (con su respectiva fase estalinista), hasta el actual que, encabezado por un Putin expansionista, se apresura a celebrar los 150 años del nacimiento de Rachmáninov. De seguro, como ya ha sucedido en otras ocasiones, la vigencia de su música sobrepasará las críticas y los debates ideológicos y políticos que la rodean.

 

Carolina Noguera (n. 1978)

Con Carolina Noguera entramos en la constelación profesional que ha transcurrido en las nuevas posibilidades y exigencias del siglo XXI. Quizás como nunca antes, la reflexión formalizada de la composición se ha hecho explícita en los textos publicados por los mismos compositores. Según lo demuestra Noguera, no se trata solamente de una declaración de principios estilísticos, sino de toda una elaboración académico/intelectual enraizada en un ejercicio de auto-exploración que cruza aspectos puramente teóricos y técnicos, experiencias auto-biográficas y valoraciones de tipo estético.

 

Es a partir de esta clase de ámbitos adyacentes a la composición misma en los que, de manera inteligible, Noguera ha compartido y dotado de sentido a sus tránsitos creativos. Buena parte de todo ello permea el Cuarteto de cuerdas No. 4 titulado Cantos introspectivos. Comisionado por el Consulado de Colombia en Malasia, lo estrenó en 2021 el UiTM Latin American String Quartet (Cuarteto Latinoamericano de la Universidad Tecnológica de Malasia) bajo la dirección de Juan Montoya.

 

Como en otras obras de Noguera, aquí también gobierna un componente autobiográfico basado en el movimiento pendular entre opuestos como fundamento de creación. Las indicaciones en la partitura proveen una cartografía global de la pieza: en la primera sección (I. Jardín secreto) encontramos “Ad. lib[itum] muy lento, contemplativo, casi sin melancolía”; y en la segunda sección (II. Feroz y siempreviva) “Agitato”, “muy alegre”, “enigmático” y “lento y melancólico”. El uso de las llamadas “técnicas extendidas” (chop, detrás del puente, arco sobre el cordal, sobre el puente…) está al servicio de subrayar tales contrastes.

 

No solo se evoca una sucesión de imágenes, sino toda una atmósfera entretejida en la latente vida vegetal de un jardín. El horizonte contemplativo e introspectivo de la primera sección se contrapone al despliegue de vitalidad, fuerza, impulso frondoso y desenfrenado de la segunda sección.

 

En la comprensión de tal oscilación se otorga pleno significado a la labor de “la interpretación”; ante pasajes deliberadamente frenéticos, “prácticamente imposibles de tocar” ¾como lo reconoce la misma compositora¾, solo se puede salir avante si los instrumentistas simplemente se entregan al fluir de la furia. Quizás pueda entenderse como la exigencia de una especie de actuación y dramaturgia que, apartada de las convenciones más rígidas de la interpretación musical, constituye la fuente de conexión con el público. Así, los desafíos no solo abrazan a quienes suben al escenario, sino también a quienes se atreven a escuchar las minucias que Noguera suele cosechar en su cotidianidad y traducir en su creación.

 

Astor Piazzolla (1921-1992)

Astor Piazzolla compuso Four, for Tango en 1987. Estaba en Nueva York, la ciudad que a inicios de la década de los treinta lo había visto nacer como músico con apenas once años de edad para apodarlo “el niño maravilla argentino del bandoneón”, la misma que a la vuelta de poco más de medio siglo después lo recibió con fascinación como “el brillante compositor argentino [que] tomó el tango y lo alejó de sus orígenes de danza para situarlo en un contexto artístico, infundiéndole jazz y corrientes clásicas para desarrollar una lenguaje compositivo absolutamente distintivo.”

 

Aunque con una creatividad aparentemente inagotable y una agenda sin respiro, Piazzolla ya atisbaba algunos signos de flaqueza en su salud. Aprovechando minuto a minuto, siguió con las presentaciones y la escritura de nuevas obras. Llevó su versatilidad al límite, desde las piezas para su nuevo Quinteto, hasta partituras inclinadas a la música académica (como justamente Four, for Tango —su único título para cuarteto de cuerdas— o su Concierto para bandoneón y orquesta, No. 1), pasando también por las fusiones con el jazz.

 

Poco después de ofrecer un concierto en el Central Park ante un público de más o menos cuatro mil personas que lo aplaudieron, escuchó al Cuarteto Kronos. Aunque el nivel de la interpretación lo cautivó, el repertorio lo disparó a la composición. Según el testimonio de David Harrington, fundador del Cuarteto Kronos, luego de unos días de haber intercambiado unas cuantas palabras en el camerino con Piazzolla, lo llamó y “para ese entonces ya había terminado Four, for Tango”. “¿Se lo mando?”, preguntó Piazzolla. El Cuarteto Kronos decidió incluirlo en su siguiente álbum, Winter was Hard, grabado en noviembre de 1987.

 

A la síntesis y abstracción rítmica del tango, Piazzolla añadió una concepción formal estructurada sobre tres elementos presentados en sucesión y con algunos traslapes: fragmentos melódicos, semicorcheas reiteradas y efectos de ruido (entre ellos, los glissandi que semejan un latigazo o la percusión como evocación de redoblantes y tambores). Aunque los más conservadores se sorprendieron de una obra con disonancias extremas y texturas contrapuntísticas muy lejanas al tango que siempre habían conocido y añorado, una vez más Piazzolla mostró la amplitud de su pensamiento musical, un pensamiento tan argentino como cosmopolita.

 

Alberto Ginastera (1916-1983)

En la exégesis de su propia obra, Alberto Ginastera retomó el esquema tripartito de periodización que a mediados del siglo XIX había propuesto Wilhelm von Lenz para agrupar y explicar la obra de Ludwig van Beethoven. Como buen compositor latinoamericano del siglo XX, sus modelos canónicos de formación seguían atrincherados en la historicidad europea. Según Ginastera, su primer periodo (1934-1947), “nacionalismo objetivo”, se había caracterizado por seguir la línea trazada por sus maestros en la literalidad o copia textual de las manifestaciones musicales tradicionales. En el segundo periodo (1948-1956), “nacionalismo subjetivo”, había logrado evadir las citas textuales y directas para entrar en un campo más personal y de mayores niveles de abstracción. En el tercer periodo (1957-1976), "neo-expresionismo", los niveles de abstracción habían llegado mucho más lejos al subsumirlos al uso de técnicas y procedimientos compositivos vanguardistas.

 

En este marco general, el Cuarteto de cuerdas No. 1, Opus 20, compuesto en 1948, pertenece al inicio del segundo periodo. Bajo el peso del mencionado historicismo, pero también bajo las presiones del omnipresente nacionalismo, Ginastera esperó hasta superar los treinta años para asumir el reto de escribir en uno de los géneros más emblemáticos de la música occidental.

 

La extensión y complejidad de la obra develan una colección de preocupaciones y derroteros. Por un lado, el cuarteto es neoclásico en su estructura y nacionalista en algunos de sus componentes melódicos, armónicos y rítmicos. En el primer movimiento, Ginastera, como gesto academizante, construye una forma sonata. El segundo es un derroche de urdimbre rítmica, tan constante, veloz y distintiva en el compositor. En el tercero se explaya en las añoranzas de un paisaje lejano pero entrañable, pretexto de lo nacional que manipula a partir de una forma ternaria con una melodía encajonada en lo que el famoso musicólogo estadounidense Gilbert Chase acuñó como el “acorde simbólico”, un acorde sobre las notas de las cuerdas al aire de una guitarra, el instrumento emblemático para la cultura gaucha. Para finalizar, el cuarto movimiento acoge el sentido circular de una danza a través de la forma rondó y un compás de 5/8.

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Por este cuarteto, en 1948 la Asociación Wagneriana de Buenos Aires le otorgó a Ginastera el premio “Carlos López Buchardo”. Al año siguiente, el Cuarteto Mozart estrenó la obra. Le siguieron dos interpretaciones importantes: en 1951, durante el primer viaje del compositor a Europa, en Frankfurt durante el 25 Festival Internacional de la Sociedad para la Música Contemporánea (ISCM – International Society for Contemporary Music) cuyo jurado seleccionó la obra; y en 1956, a cargo del célebre Cuarteto Budapest en Biblioteca del Congreso de Estados Unidos. Gracias a esta última ocasión, la Fundación Elizabeth Sprague Coolidge le comisionó a Ginastera la composición del que llegaría a ser su Cuarteto No. 2. Comenzaba así, en el pleno auge del panamericanismo musical y el despertar de la Guerra Fría, un lazo ininterrumpido de colaboración con el medio musical estadounidense.